Bodegón instrucciones paso a paso. Naturaleza muerta a lápiz paso a paso: consejos para un artista principiante. El método más simple
La naturaleza muerta es un género de bellas artes en el que el artista captura objetos inanimados. Traducido del francés, suena así: "naturaleza muerta". Más precisa, sin embargo, es la frase inglesa still life, que se traduce como “naturaleza muerta”.
La belleza del género.
El arte de los bodegones surgió como género en el siglo XVII en Holanda. Al representar objetos cotidianos, los artistas buscaron expresar su plasticidad e incluso poesía. A lo largo de la historia de la pintura, los maestros experimentan libremente con la forma, el color, la textura de las cosas y las soluciones compositivas en la ejecución del dibujo.
Hacerlo paso a paso no es una tarea tan difícil para los artistas principiantes. Lo principal es elegir la composición deseada y verla en perspectiva espacial. Esta pequeña lección te ayudará a realizar este intento.
Cómo dibujar una naturaleza muerta con un lápiz.
Consideraremos paso a paso por dónde empezar a trabajar, cómo no equivocarnos con la disposición de los objetos en el espacio del dibujo y cómo representar correctamente las luces y las sombras. Lo primero que debes hacer es seleccionar objetos para la naturaleza muerta. No debe comenzar a dibujar objetos demasiado complejos; es mejor tomar las cosas más comunes para dibujar con formas geométricamente comprensibles: una taza, una fruta, una caja. Puedes utilizar fotografías, pero es preferible prestar atención a la naturaleza, ya que solo con ella tendrás más oportunidades de examinar los objetos en detalle y aclarar detalles. A medida que domines el arte de la naturaleza muerta, podrás complicar las formas y composiciones.
Cuidemos la iluminación
Antes de dibujar un bodegón con un lápiz, iremos colocando poco a poco los objetos uno al lado del otro, sin olvidarnos de la fuente de luz. Los objetos se pueden ubicar a cierta distancia, pero será más interesante si se superponen ligeramente entre sí. El flujo de luz de la lámpara le permitirá enfatizar más expresivamente el contraste de sombras y reflejos. Es mejor si cae de lado. Cuando no dependa de la luz solar artificial, sino de la luz solar, debe recordar que la luminaria no se detiene, por lo que los ángulos de luz y sombra cambiarán.
empecemos a dibujar
Antes de dibujar una naturaleza muerta, con un lápiz iremos marcando poco a poco la ubicación de los objetos, cómo se cruzan sus bordes y líneas. Aclaremos el plano en el que se encuentran los objetos con una línea horizontal detrás de la composición, delimitando la mesa y la pared. Resumamos la perspectiva: para representar objetos en un espacio tridimensional, recordaremos que no se pueden dibujar en la misma línea. Los tamaños de los objetos que están más cerca de nosotros serán mayores que los que se encuentran más lejos.
Dibujamos con líneas deslizantes ligeras. Para no equivocarnos con las proporciones de los objetos, imaginemos mentalmente el eje central de cada uno de ellos. Puedes representarlo en una hoja de papel en la que dibujamos una naturaleza muerta con un lápiz. Poco a poco iremos dibujando la forma geométrica que subyace a cada objeto, y a partir de ella crearemos el objeto propiamente dicho. La manzana y la taza tendrán como base círculos, las cajas estarán hechas de paralelepípedos, el azucarero tendrá como base un cuadrado y su tapa será un óvalo.
Una vez determinadas las formas, comenzaremos a refinar los objetos con líneas limpias y seguras. Con una goma de borrar eliminaremos los trazos iniciales.
Pasos finales
¿Cómo dibujar una naturaleza muerta con un lápiz, creando gradualmente el volumen de los objetos? Aquí el papel principal lo juegan las sombras y las luces. Copiémoslos de la vida real, sombreando más las partes más oscuras de los objetos. También es importante prestar atención a en qué parte de la composición están más concentradas las sombras, cómo y dónde los objetos proyectan sombras sobre otro objeto y sobre un plano.
Llevaremos el boceto terminado a la perfección, ajustando los detalles del dibujo, apretando las sombras y la textura de los objetos con trazos.
Entonces, ¿qué es una naturaleza muerta? Lo primero que nos viene a la mente es una jarra o jarrón, frutas, verduras, tazas, flores, etc. De hecho, una naturaleza muerta puede contener absolutamente dos o más objetos inanimados, generalmente de tamaño pequeño, que se encuentran en la superficie.
En esta lección, te mostraré cómo dibujar una naturaleza muerta con flores (la lección usa una foto maravillosa de Galina Chi).
Paso 1. Al dibujar cualquier naturaleza muerta, lo primero que debes hacer es imaginar todos los objetos en la forma más simple. En este ejemplo, la cesta se puede representar como un paralelogramo y el jarrón como un cilindro. Es muy importante colocar inmediatamente los objetos correctamente en una hoja de papel. Tenga en cuenta que los artículos deben permanecer sobre la mesa y no caerse de ella.
Paso 2. Doblamos las líneas para conseguir la forma de los objetos que necesitamos. Añade un asa a la cesta.
Paso 3. Dibujamos cerezas con círculos y palitos, sin olvidar que se superponen entre sí. No intentes dejarlos perfectamente parejos.
Paso 4. Designa las flores y sus centros. En esta etapa, todavía no es necesario que dibujes los pétalos. También añadimos hojas.
Paso 5. Dibuja los pétalos.
Paso 6. Comenzamos a sombrear el diseño: agregamos una textura de mimbre a la canasta, sombreamos las cerezas en un círculo y dejamos una gran cantidad de reflejos para hacerlas más jugosas. En el lado derecho del jarrón, agregue una franja de resaltado encima del sombreado. Sombreamos pétalos de flores y hojas desde el centro hacia los bordes.
Como la luz proviene de la izquierda, agregamos sombras horizontales a la derecha de los objetos.
Descripción de la presentación por diapositivas individuales:
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BODEGÓN es una “naturaleza muerta” inmóvil (así se traduce esta palabra), está formada por objetos que forman parte de la realidad viva que nos rodea. Las cosas que utilizamos en una naturaleza muerta forman su propio entorno, como trasladadas a otra dimensión. Aumenta su importancia en la composición, su carga semántica. Las combinaciones de objetos simples pueden expresar sentimientos muy diferentes y complejos.
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BODEGÓN EN GRÁFICOS El dibujo es el principal tipo de gráfico. Todos los artistas se involucran en la gráfica, ya sean pintores o escultores; necesitan del dibujo como escenario de su trabajo. Sin embargo, un dibujo puede ser una obra gráfica independiente. Para un artista gráfico, hay suficientes herramientas simples: lápiz, rotulador, tinta, bolígrafo de gel para crear una maravillosa composición gráfica.
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Dibujar un bodegón con lápiz (paso a paso). Antes de dibujar un bodegón con un lápiz, iremos colocando poco a poco los objetos uno al lado del otro, sin olvidarnos de la fuente de luz. Los objetos se pueden ubicar a cierta distancia, pero será más interesante si se superponen ligeramente entre sí. El flujo de luz de la lámpara le permitirá enfatizar más expresivamente el contraste de sombras y reflejos. Es mejor si cae de lado. Cuando no dependa de la luz solar artificial, sino de la luz solar, debe recordar que la luminaria no se detiene, por lo que los ángulos de luz y sombra cambiarán. Los dibujos a lápiz tienen sus propias particularidades: para dominar la técnica necesitarás dibujar más de un boceto o una naturaleza muerta. Línea, punto, trazo, mancha.
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Existe un tipo especial de gráficos: GRÁFICOS IMPRESOS. En este caso, a partir de un dibujo realizado con cortadores especiales sobre una tabla de madera, metal o linóleo, se pueden realizar varias impresiones del autor: impresiones. Este tipo de gráficos se llama GRABADO. El grabado puede ser diferente: sobre madera - xilografía, sobre metal - grabado, sobre linóleo - linograbado... En estos casos, el artista gráfico utiliza para su trabajo dispositivos tan complejos como una imprenta, cortadores especiales (puntadas), placas de metal para grabarlos con ácido y muchos otros. Todo esto es necesario para crear gráficos impresos. grabado, xilografía, grabado, naturaleza muerta antigua, Old Riga XILOGRAFÍA: uno de los tipos de grabado, xilografía. linograbado
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Técnica del scratch La técnica del scratch también se llama “tsap-scratch” o “graffito”. El dibujo se resalta rascando con un bolígrafo o instrumento punzante sobre papel o cartón cubierto de tinta (para evitar que se extienda es necesario añadir un poco de detergente o champú, sólo unas gotas). La palabra proviene del francés rallador: raspar, rayar, por lo que otro nombre para la técnica es técnica de rayado. Yo suelo utilizar papel grueso y pintarlo con gouache. Puede tomar cartón de colores con un patrón de colores ya hecho, luego puede limitarse a una vela de cera común (no coloreada). Luego, con una brocha ancha o una esponja, aplica una capa de rímel en la superficie. Cuando se seque, use un objeto afilado (un tenedor de plástico, un palillo de dientes) para rayar un patrón de finas líneas blancas o de colores sobre el fondo terminado.
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Los dibujos mediante la técnica del grattage se realizan con un objeto punzante (un bolígrafo, un cortador especial, un palo puntiagudo, etc.) sobre una superficie previamente preparada. Antes de comenzar a grabar, se aplica una capa de cera o parafina sobre el cartón (puede usar una vela) y luego tinta o pintura. El rímel se debe aplicar en varias capas, secando cada una, ya que se esparce sobre la cera y al principio queda de manera desigual. El rímel se aplica con un cepillo ancho, una esponja o un bastoncillo de algodón.
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Todo aquel que bebe de la vida pasa necesariamente por diferentes etapas de aumento de la complejidad del trabajo. El proceso de aprender a dibujar en una determinada etapa está asociado con el dibujo de una naturaleza muerta (del francés Nature Morte, naturaleza muerta).
El mundo de la naturaleza y las cosas que rodean a una persona en la vida cotidiana es un tesoro inagotable de formas y colores. La sencillez y perfección plástica de los objetos cotidianos, la sofisticación y delicadeza de las flores, la estructura y jugosidad únicas de las frutas y verduras, y mucho más, siempre han sido objeto de atención de los artistas. Los dibujos y pinturas en los que se plasman de forma figurativa objetos domésticos, herramientas, verduras, frutas, alimentos, juegos, ramos de flores, etc., se denominan naturalezas muertas.
Las naturalezas muertas se pueden “ver” directamente en vida y “escenificar” específicamente para resolver diversos problemas visuales. Ambos llaman la atención, razón por la cual la naturaleza muerta ocupa tanto espacio en las bellas artes que se ha convertido legítimamente en un género independiente. Una naturaleza muerta "vista" es una agrupación natural de objetos representados por el artista, y una "puesta en escena" se compone de objetos seleccionados deliberadamente y necesarios para realizar el plan específico del autor.
La imagen de una naturaleza muerta tiene su propio patrón y secuencia metodológica. Es completamente inadmisible, por ejemplo, inmediatamente después de comenzar a dibujar, comenzar a trabajar en detalles menores en detalle, si aún no se ha determinado la forma principal y no se ha decidido la idea tonal de la producción. Esto conduce inmediatamente a la fragmentación del dibujo, lo que resulta increíblemente difícil y a veces imposible de corregir para un dibujante sin experiencia. Además, esa prisa conduce a errores en las relaciones proporcionales y, por tanto, al fracaso, la falta de confianza en uno mismo y la decepción.
Recuerde que en la práctica visual existe un método probado de trabajo secuencial sobre dibujos, basado en el principio: de lo general a lo específico y de lo específico nuevamente a lo general enriquecido con detalles.
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El trabajo en una naturaleza muerta comienza con la selección y colocación de ciertos objetos: en nuestra tarea, un modelo de yeso de un prisma y un jarrón de madera para lápices, pinceles, etc. (Figura 21). La selección de componentes para una producción a gran escala debe estar lógicamente justificada y llena de conexiones semánticas. Es recomendable elegir cosas que sean expresivas en forma y volumen.
Una vez escenificada la naturaleza muerta, se elige un lugar específico desde donde el escenario sea claramente visible (ya hemos hablado de la distancia más óptima entre el artista y el objeto natural: debe ser aproximadamente tres veces el tamaño de la naturaleza misma). ).
La expresividad y veracidad de una imagen de naturaleza muerta dependen de tu capacidad para observar, componer, construir un dibujo, modelarlo con tono, etc.
Antes de trabajar realmente en el dibujo, es aconsejable realizar uno o dos bocetos de la producción para encontrar una disposición racional y eficaz de la imagen sobre el papel. Es recomendable realizar bocetos rápidamente, basándose en la primera impresión aún muy fresca de la producción, tratando de transmitir en ellos los rasgos característicos de la naturaleza, la relación y proporciones de la forma de cada objeto, la relación entre el área de la imagen y el área del formato de la hoja.
Una vez que hayas determinado la composición de la imagen en el boceto, puedes proceder a trabajar directamente en el formato. Dada la naturaleza de la producción, ya has elegido el formato: horizontal o vertical.
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Ahora te enfrentas a la tarea de pasar por varias etapas para dibujar una naturaleza muerta. Tales etapas, es decir momentos individuales: etapas o pasos en el desarrollo de algo al trabajar en un dibujo, generalmente no hay más de cuatro.
Por supuesto, la etapa inicial de cualquier imagen es su colocación compositiva en una hoja de papel. Ya tienes un boceto, úsalo de forma no mecánica.
Aquí se da el lugar principal a la determinación de todo el ancho y la altura total de los objetos a la vez para limitar el campo de la imagen, las posiciones de cada uno de los cuerpos entre sí y el plano en el que se colocan se delinean inmediatamente con líneas claras;
En la siguiente etapa de dibujar una naturaleza muerta, es necesario aclarar el lugar de cada uno de los dos objetos en la imagen y determinar sus relaciones proporcionales. Durante este período de trabajo, identifique también la base constructiva del formulario. Aquí, basar la solución a todos los problemas en esta etapa de la imagen en un análisis cuidadoso de la producción. Por ahora construye la forma solo con líneas, viendo tu dibujo como un “marco”, pero sigue una cierta medida para que no luzcan del mismo grosor en todas partes (Fig. 22).
Realizar la tercera etapa del trabajo como un mayor refinamiento de la forma de los cuerpos que tienen volumen y relieve. Estos signos de los objetos sólo se perciben en condiciones de luz y sombra. Por lo tanto, no sólo debes delinear una gran luz y una gran sombra, sino también definir con trazos de luz todas las gradaciones principales (disposiciones graduales) de luces y sombras. Estos patrones de distribución de luz, medios tonos, sombras propias y caídas se han discutido más de una vez en el libro de texto y usted los conoce. Sólo hay que observar atentamente in situ y comparar en papel cuánto es más oscuro o más claro un objeto que otro. Además, no te olvides de las diferencias en las técnicas de dibujo al trabajar con lápiz, para que ya en esta etapa del dibujo puedas identificar la diferencia en las texturas de los objetos. Todo en conjunto y considerado desde el punto de vista de la construcción en perspectiva, el volumen y relieve de las formas, las soluciones tonales y la materialidad te lleva a la última etapa del trabajo en un dibujo de naturaleza muerta (Fig. 23).
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La etapa final implica el proceso de finalización del trabajo: una generalización de toda la estructura lineal y tonal de la imagen. Si el primer plano y el fondo están dibujados en detalle, ambos cuerpos de la producción destruyen la percepción integral de la imagen, no hay transiciones suaves en el modelado de la forma con el tono, entonces es necesario mejorar dicha imagen, lo cual es un generalización. En este caso, es necesario suavizar el fondo, destruir límites claros en él (para crear la impresión de profundidad), "acercar" un objeto al primer plano y "alejar" otro, resaltar en algún lugar en el lugar correcto, en otros, por el contrario, espesan el tono y así lograr la integridad del dibujo (Fig. 24).
Todas las etapas del trabajo en un dibujo de naturaleza muerta no son etapas de la imagen separadas entre sí. Aquí tiene lugar un proceso secuencial, lógicamente condicionado por la unidad y la indivisibilidad, cuyo resultado debe ser un dibujo educativo expresivo, correctamente compuesto, correctamente construido, de tono moderadamente elaborado, de una naturaleza muerta.
Ahora veamos con gran detalle cómo se desarrolla el proceso de creación de un dibujo de naturaleza muerta, compuesto por un cuerpo geométrico de yeso: un prisma hexagonal y un jarrón de madera para guardar herramientas de dibujo.
Una vez elegido el formato, se determina en qué tamaño se imprimirá la imagen en papel, sobre todo porque en los bocetos preliminares se buscan relaciones proporcionales entre la imagen y el formato. Las proporciones están entretejidas en la percepción visual de acuerdo con la estructura del ojo y los principios de su funcionamiento. Cada persona que dibuja determina las proporciones de las cantidades y, no se sorprenda, distingue entre ellas la proporción de la “sección áurea”. En el entorno se ve que un jarrón colocado verticalmente parece más preferible que un prisma inclinado hacia él. Esto significa que en tu dibujo prestarás especial atención al jarrón y comenzarás a asociar con él la ubicación de la imagen en el papel. Se ubicará en el dibujo únicamente en relación con las proporciones de la “sección áurea”.
Esta naturaleza de la percepción visual está confirmada por numerosos experimentos realizados en diferentes momentos en varios países del mundo.
El psicólogo alemán Gustav Fechner llevó a cabo en 1876 una serie de experimentos, mostrando a hombres y mujeres, niños y niñas, así como a niños, figuras de varios rectángulos dibujadas en papel, pidiéndoles que eligieran solo uno de ellos, pero dándoles la impresión más agradable. sobre cada tema. Todos eligieron un rectángulo que mostraba la proporción de sus dos lados en la proporción de la “proporción áurea” (Fig. 25). Experimentos de otro tipo fueron demostrados a los estudiantes por el neurofisiólogo estadounidense Warren McCulloch en los años 40 de nuestro siglo, cuando pidió a varios voluntarios de entre los futuros especialistas que le dieran a un objeto oblongo la forma deseada. Los estudiantes trabajaron por un tiempo y luego devolvieron los artículos al profesor. En casi todos ellos las marcas estaban hechas exactamente en la zona de la “proporción áurea”, aunque los jóvenes no sabían absolutamente nada sobre esta “divina proporción”. McCulloch pasó dos años confirmando este fenómeno, ya que él personalmente no creía que todas las personas elijan esta proporción o la establezcan en el trabajo amateur en la realización de todo tipo de artesanías.
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Un fenómeno interesante se observa cuando los espectadores visitan museos y exposiciones de bellas artes. Muchas personas que no se han dibujado a sí mismas pueden percibir con asombrosa precisión incluso las más mínimas imprecisiones en la representación de objetos en imágenes gráficas y pinturas. Probablemente sean signos del sentido estético de una persona, que “no está de acuerdo” con la destrucción de la armonía de formas y proporciones. ¿No es con tal exigencia de un sentido de belleza que se asocia el fenómeno de la “proporción áurea” (siempre que esta proporción no se llame “divina”, “áurea”, “sección áurea”, “número áureo”) ? No en vano, aparentemente, en todos los siglos de la civilización humana la “proporción áurea” ha sido elevada al rango de principio estético fundamental.
Para usted, los principios compositivos de la construcción de un dibujo de naturaleza muerta no deberían ser un obstáculo, porque una persona está dotada de la capacidad de ver claramente el entorno circundante dentro de un campo de visión clara (en un ángulo de 36°). Son los valores proporcionales dentro del campo de visión clara los que los ojos distinguen claramente, y tu tarea es reconocerlos para poder construir correctamente el dibujo. El caso es que una persona que dibuja ve el mundo objetivo de la misma forma que alguien que no dibuja. Sin embargo, si adopta un punto de vista arbitrario para construir un dibujo, se producirá una distorsión. Es necesario recordar que en la construcción de una imagen todo es interdependiente: el punto de vista, el campo de visión clara y la distancia a los objetos de la imagen. Esto significa que en el proceso de composición de la imagen, es necesario seleccionar una parte del espacio cerrado (un trozo de papel) que incluya los objetos de la naturaleza muerta y parte del entorno (el fondo). Los objetos de la imagen no deben ser ni demasiado grandes ni demasiado pequeños. De lo contrario, la imagen grande “sale” del formato y la pequeña “se hunde” en él. Para evitar que esto suceda, trate de considerar la hoja de papel y las dimensiones de la imagen como un todo único de la solución compositiva del dibujo de la naturaleza muerta.
Después de organizar el plano del papel, es necesario dibujar los objetos tal como los ve el ojo y tal como existen en la realidad. Para ello, se aclaran los cambios de perspectiva en la forma del jarrón y el prisma y al mismo tiempo se intenta comprender inmediatamente su estructura objetiva, el diseño y se analizan las condiciones de iluminación. El claroscuro en los objetos se distribuye según las mismas leyes con las que te familiarizaste al dibujar modelos de yeso de cuerpos geométricos.
Cada dibujo es al mismo tiempo un nuevo conocimiento del mundo objetivo, que va acompañado de la adquisición de conocimientos, experiencia, nuevas habilidades y habilidades motoras de los movimientos de las manos. Habiendo colocado el dibujo en un plano y, por ahora, transfiriendo los límites de la forma de cada uno de los dos objetos con líneas ligeras y delineando el volumen del jarrón y el prisma con los mismos trazos ligeros, continúas tu trabajo, pasando a la siguiente etapa. Ahora continúas refinando aún más los rasgos característicos de la forma, comparando todo el tiempo el dibujo con la naturaleza. Luego se comienza a trabajar con relaciones que implican determinar las proporciones correctas, la relación entre los planos espaciales, los detalles y el todo.
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El método de trabajo a través de las relaciones permite al dibujante adquirir conocimientos y habilidades en la medida que influyen en el desarrollo de una persona como artista profesional.
Entonces, las primeras etapas de tu dibujo: resolver los problemas de diseño, delinear la silueta general de la naturaleza muerta, resaltar ambos objetos y mostrar las proporciones, al mismo tiempo sentir la conexión de las formas, su correspondencia con la estructura general de la imagen. Cuando se trabaja con relaciones, el dibujo se aclara comparando y contrastando, es decir, comparando la imagen con el todo y las partes entre sí. En la misma etapa del dibujo, debes comenzar a identificar el volumen y el relieve de las formas de los objetos en la imagen, trabajando en ellos según el principio, de lo general a lo específico. Sólo así podrás ver siempre el todo: en estructura, proporciones y tono.
Cuando tenga confianza en la fidelidad del dibujo y en la exactitud de las relaciones de tonos claros previstas, puede pasar con seguridad a modelar la forma con un tono gradualmente saturado de densidad.
En esta importante etapa del trabajo, transmitir una imagen real de una naturaleza muerta, tal como la ve nuestro ojo y cómo existe en el espacio, es necesario ver toda la naturaleza todo el tiempo, es decir, tocar tal o cual lugar del dibujo con a lápiz, no pierdas de vista toda la producción y todo el dibujo en su conjunto. Recuerde todo el tiempo que está acumulando conocimientos, habilidades y habilidades de forma gradual y constante y trabaje en la naturaleza muerta en consecuencia. Las relaciones tonales en la naturaleza no se pueden transmitir con precisión en un dibujo debido a la discrepancia entre la luz original y la blancura del papel. Sólo pueden transmitirse siguiendo relaciones de luces y sombras que sean proporcionales a la naturaleza, y usted sabe que la calidad del patrón tonal depende de dicha transmisión.
Durante el modelado del dibujo en tono, cuando se realiza todo el trabajo desde lo general a lo específico, inevitablemente llega un momento asociado a un gran deseo de asumir la elaboración final de una u otra parte de la imagen, lo cual es muy Atractivo en producción. Aquí es donde se llega a los detalles, siguiendo los principios del dibujo.
En la práctica del dibujo tanto educativo como creativo, a menudo existen dos métodos técnicos entrelazados para trazar tonos en papel con un lápiz: sombreado y sombreado.
La eclosión, a diferencia del sombreado, tiene sus propias características distintivas. Un dibujante experimentado sólo puede lograr la transferencia de todas las propiedades tonales y materiales de la naturaleza. Al mismo tiempo, utiliza una variedad de trazos a lo largo del trazo de un lápiz sobre papel: rectos y curvos, cortos y largos, superpuestos entre sí en varias capas. En consecuencia, el sombreado debe entenderse como técnicas de aplicación de tono con trazos. La dirección del sombreado en un dibujo es muy importante. Usando trazos dirigidos de acuerdo con la forma del objeto, se puede lograr volumen y, por el contrario, con trazos aplicados al azar, la forma se destruye, la imagen se cubre con manchas informes.
Los maestros del dibujo utilizaban a menudo el sombreado, una técnica que consiste en frotar una capa de lápiz, aplicada plana con una mina, sobre la superficie del papel para obtener un tono suave y sólido utilizando sombreado o hisopos de papel y, muy a menudo, algodón. Ilya Efimovich Repin utilizó esta técnica con mucha frecuencia y eficacia.
En el proceso de trabajo relacionado con la transferencia de las relaciones de luz y sombra, se determinan los lugares más claros y más oscuros del escenario a gran escala y, siguiéndolos como pautas tonales, van ganando gradualmente la apertura necesaria. Y todo el tiempo necesitas comparar y comparar el dibujo con la naturaleza nuevamente. Para ello, incluso puedes alejarte un poco del dibujo para que puedas ver tu trabajo desde un punto de vista algo lejano. Existe otra técnica de comparación: mirar el dibujo en el espejo, medio vuelto hacia la imagen. El espejo también debe reflejar el objeto natural. Esta comparación puede ayudarle a detectar errores de tono y eliminarlos. La técnica del espejo también es eficaz porque te permite ver tu trabajo desde un ángulo inesperado. Cada pintor no sólo se acostumbra a su imagen, sino que muchas veces, por inexperiencia y aún por ineptitud, deja de notar errores graves en el dibujo, por no hablar del tono. Una mirada tan inesperada le ayudará a ver de inmediato tal o cual defecto, al que resultó difícil prestar atención debido a la incapacidad de mirar críticamente su propio dibujo.
La última etapa del trabajo en un dibujo de naturaleza muerta está relacionada con la capacidad del dibujante para completar la imagen, es decir. alinee la imagen con la impresión visual general con una percepción perfecta de la producción a gran escala.
Preguntas de seguridad- ¿Qué es la naturaleza muerta?
- ¿Cuántas etapas de la pintura de una naturaleza muerta hay que pasar?
- ¿Qué entiendes por el término "diseño"? ¿Qué papel juega el diseño en un dibujo?
- ¿Por qué una producción a gran escala debería percibirse no en partes, sino en su conjunto?
- ¿Qué significa aplicar trazos a una forma?
- ¿Cuál es la secuencia metodológica del trabajo sobre una naturaleza muerta?
- ¿Cómo entendemos el término “generalización de un dibujo”?
Cómo dibujar una naturaleza muerta: comencemos con una simple, digamos, desde la etapa preparatoria y vayamos abordando gradualmente el dibujo de la naturaleza muerta. En esta etapa, para comprender mejor lo que estamos haciendo, sugiero los siguientes ejercicios. ¿No eres el único que dibuja naturalezas muertas, y menos a gran velocidad? Necesitas buenos conocimientos que puedan proporcionar una buena base práctica, ¿verdad? Luego, veamos el tema: cómo dibujar una naturaleza muerta usando estos ejercicios.
Desarrollo de habilidades de visión proporcional mediante análisis comparativo de volúmenes:
Encuentra botellas o latas, no importa qué, pero no muy complicadas. Los alineas unas cuatro o seis veces y entrenas tus ojos. Intenta analizar la altura y el ancho de cada objeto y su relación entre sí. Al principio, sólo puedes dibujar contornos. Dibujamos todos los objetos en el plano del objeto. Como esto:
Otra tarea:
Realizar un dibujo de una hoja de papel arrugada, cartón, con un análisis de los planos de fractura. Observa que cada cara se parece a la cara de un cubo. Cuando entiendes esto, la tarea no parece difícil. Este ejercicio es muy útil para desarrollar el ojo. Como esto:
Tarea más difícil:
Cómo dibujar una naturaleza muerta
Así que pasamos sin problemas a dibujar la naturaleza muerta. Pero ahora estás más preparado para percibir bien el material. Dibujamos una naturaleza muerta teniendo en cuenta la ubicación de la composición en la hoja (ver composición en la figura). Captamos el carácter de la naturaleza muerta, ya sea alargada a lo largo o a lo ancho. Es necesario tener en cuenta el plano del objeto, porque todos los objetos se encuentran sobre él y no cuelgan en el aire. Encontramos los límites de la naturaleza muerta en la hoja, retirándonos 10 centímetros desde la parte superior de la hoja, 7 centímetros en los lados y 3 cm desde abajo. No te apresures, lo principal es empezar correctamente para no “arruinar” todo el trabajo después. No te apresures, porque ahora estamos encontrando las relaciones proporcionales básicas de una naturaleza muerta:
Cuando, teniendo en cuenta las proporciones, hayas determinado los límites de la naturaleza muerta en la hoja, es hora de encontrar los límites y las relaciones proporcionales de cada objeto por separado. Establecemos proporciones en base a tres puntos. Bajo ninguna circunstancia debes empezar a dibujar los detalles de la naturaleza muerta ni a añadir sombras. Si luego notas que en algún lugar no captaste las proporciones, tendrás que borrar todo lo que dibujaste allí. Como resultado, el trabajo del principio se sobrescribirá y no se sabe cómo quedará al final:
Si hiciste todo correctamente, descansa, bebe té, en una palabra, haz algo para no mirar el trabajo y darle un descanso a tus ojos. Créeme, en 20-30 minutos verás algo que no has visto antes. Si encuentras algún error en alguna parte, corrígelo, no es demasiado tarde. Si todo está en orden, seguimos adelante.
Cuando hayas encontrado un lugar en la hoja para cada objeto de tu naturaleza muerta, mira la composición: cada objeto contiene formas geométricas o una combinación de ellas. Dibujar cada objeto con mayor claridad, entendiendo que cada objeto contiene la base de alguna forma geométrica. Dibuja con perspectiva. No es necesario exagerar con la presión del lápiz. Dibuja con lápiz de grafito T,TM para que el dibujo quede transparente y limpio.
Diseñe el sombreado:
A continuación, comencemos a sombrear. Determinemos dónde tenemos luces y sombras en nuestra naturaleza muerta. Ahora no necesitamos medios tonos. No tocamos la luz, sino que sombreamos la sombra con todos los medios tonos con un lápiz. No entintes, de lo contrario no tendrás suficiente fuerza de lápiz para las últimas sombras más oscuras.
Una vez que hayamos definido la luz y la sombra, es hora de repasar todos los ejercicios que aprendimos en la sección de conceptos básicos de dibujo. Colocamos sombreado sobre el objeto, donde se distribuirá el claroscuro según la forma del objeto. Los objetos que se mueven en perspectiva se dibujarán más suaves. El primer plano está resaltado. Si le resulta difícil, regrese a la página de conceptos básicos de dibujo y repita todo nuevamente. Básicamente, deberías terminar con algo como esto:
