Buhay pa rin hakbang-hakbang na mga tagubilin. Buhay pa rin sa lapis na hakbang-hakbang: payo para sa isang nagsisimulang artista. Ang pinakasimpleng paraan

Ang still life ay isang genre ng fine art kung saan kinukuha ng artist ang mga walang buhay na bagay. Isinalin mula sa Pranses, parang ganito: "patay na kalikasan." Gayunpaman, mas tumpak ang salitang Ingles na still life, na isinasalin bilang "still life."

Ang ganda ng genre

Ang still life art ay lumitaw bilang isang genre noong ika-17 siglo sa Holland. Naglalarawan ng mga ordinaryong bagay, hinahangad ng mga artista na ipahayag ang kanilang kaplastikan, at maging ang mga tula. Sa buong kasaysayan ng pagpipinta, malayang nag-eksperimento ang mga master sa hugis, kulay, texture ng mga bagay, at mga solusyon sa komposisyon sa pagpapatupad ng pagguhit.

Ang paggawa nito nang sunud-sunod ay hindi isang mahirap na gawain para sa mga nagsisimulang artista. Ang pangunahing bagay ay piliin ang nais na komposisyon at makita ito sa spatial na pananaw. Ang maliit na aral na ito ay tutulong sa iyo na matanto ang pagtatangkang ito.

Paano gumuhit ng still life gamit ang lapis

Isasaalang-alang namin ang hakbang-hakbang kung saan magsisimulang magtrabaho, kung paano hindi magkakamali sa pag-aayos ng mga bagay sa espasyo ng pagguhit at kung paano ilarawan nang tama ang liwanag at anino. Ang pinakaunang bagay na kailangan mong gawin ay pumili ng mga bagay para sa still life. Hindi ka dapat magsimulang gumuhit ng masyadong kumplikadong mga bagay; mas mahusay na kunin ang mga pinaka-ordinaryong bagay na may mga geometrical na naiintindihan na mga hugis para sa pagguhit: isang tasa, prutas, kahon. Maaari kang gumamit ng mga litrato, ngunit mas mainam na bigyang-pansin ang kalikasan, dahil dito lamang magkakaroon ka ng mas mahusay na pagkakataon upang suriin ang mga bagay nang detalyado at linawin ang mga detalye. Habang pinagkadalubhasaan mo ang sining ng still life, magagawa mong gawing kumplikado ang mga hugis at komposisyon.

Ingatan natin ang ilaw

Bago gumuhit ng isang still life gamit ang isang lapis, unti-unti nating ilalagay ang mga bagay sa tabi ng isa't isa, hindi nalilimutan ang tungkol sa pinagmulan ng liwanag. Ang mga bagay ay maaaring matatagpuan sa ilang distansya, ngunit ito ay magiging mas kawili-wili kung sila ay bahagyang magkakapatong sa mga gilid ng bawat isa. Ang daloy ng liwanag mula sa lampara ay magbibigay-daan sa iyo upang mas malinaw na bigyang-diin ang kaibahan ng mga shade at highlight. Mas maganda kung mahulog sa gilid. Kapag umaasa hindi sa artipisyal, ngunit sa sikat ng araw, dapat mong tandaan na ang luminary ay hindi tumayo, kaya ang mga anggulo ng liwanag at anino ay magbabago.

Simulan na natin ang pagguhit

Bago gumuhit ng isang still life, gamit ang isang lapis ay unti-unti nating markahan ang mga lokasyon ng mga bagay, kung paano ang kanilang mga gilid at linya ay nagsalubong sa isa't isa. Linawin natin ang eroplano kung saan nakahiga ang mga bagay na may pahalang na linya sa likod ng komposisyon, na nililimitahan ang talahanayan at dingding. Ibalangkas natin ang pananaw: upang mailarawan ang mga bagay sa tatlong-dimensional na espasyo, tatandaan natin na hindi sila maaaring iguhit sa parehong linya. Ang mga sukat ng mga bagay na mas malapit sa amin ay magiging mas malaki kaysa sa mga nasa mas malayo.

Nag-sketch kami gamit ang mga light sliding lines. Upang hindi magkamali sa mga proporsyon ng mga bagay, isipin natin ang gitnang axis para sa bawat isa sa kanila. Maaari mong ilarawan ito sa isang sheet ng papel kung saan gumuhit kami ng isang still life gamit ang isang lapis. Unti-unti nating i-sketch ang geometric na hugis na pinagbabatayan ng bawat bagay, at mula dito gagawa tayo ng object mismo. Ang mansanas at ang tasa ay ibabatay sa mga bilog, ang mga kahon ay gagawin mula sa mga parallelepiped, ang mangkok ng asukal ay ibabatay sa isang parisukat, at ang takip nito ay magiging isang hugis-itlog.

Kapag natukoy na ang mga hugis, sisimulan nating pinuhin ang mga bagay na may maayos at kumpiyansa na mga linya. Gamit ang isang pambura ay aalisin natin ang mga unang stroke.

Mga Pangwakas na Hakbang

Paano gumuhit ng isang still life gamit ang isang lapis, unti-unting lumilikha ng dami ng mga bagay? Dito ginagampanan ng mga anino at highlight ang pangunahing papel. Gayahin natin ang mga ito mula sa buhay, ang mas madidilim na bahagi ng mga bagay ay mas mahigpit na itinabing. Mahalaga rin na bigyang-pansin kung saang bahagi ng komposisyon ang mga anino ay mas puro, kung paano at saan naglalagay ng mga anino ang mga bagay sa isa pang bagay at sa isang eroplano.

Dadalhin namin ang natapos na sketch sa pagiging perpekto, pagsasaayos ng mga detalye ng pagguhit, paghigpit sa mga anino at pagkakayari ng mga bagay na may mga stroke.

Kaya, ano ang buhay pa rin? Ang unang pumapasok sa isip ay isang pitsel o plorera, prutas, gulay, tasa, bulaklak, atbp. Sa katunayan, ang isang still life ay maaaring maglaman ng ganap na alinman sa dalawa o higit pang mga bagay na walang buhay, kadalasang maliliit ang sukat, na nakahiga sa ibabaw.

Sa araling ito ipapakita ko sa iyo kung paano gumuhit ng isang bulaklak na still life (ang aralin ay gumagamit ng isang magandang larawan mula kay Galina Chi).

Hakbang 1. Kapag gumuhit ng anumang still life, ang unang bagay na kailangan mong gawin ay isipin ang lahat ng mga bagay sa anyo ng mga pinakasimpleng anyo. Sa halimbawang ito, ang basket ay maaaring katawanin bilang isang paralelogram, at ang plorera bilang isang silindro. Napakahalaga na agad na ilagay ang mga bagay nang tama sa isang sheet ng papel. Mangyaring tandaan na ang mga bagay ay dapat na nakatayo sa mesa at hindi gumulong dito.

Hakbang 2. Baluktot namin ang mga linya upang makuha ang hugis ng mga bagay na kailangan namin. Magdagdag ng hawakan sa basket.

Hakbang 3. Gumuhit kami ng mga cherry na may mga bilog at stick, hindi nakakalimutan na sila ay magkakapatong sa bawat isa. Huwag subukang gawing ganap ang mga ito.

Hakbang 4. Italaga ang mga bulaklak at ang kanilang mga sentro. Sa yugtong ito, hindi mo pa kailangang iguhit ang mga petals. Nagdaragdag din kami ng mga dahon.

Hakbang 5. Iguhit ang mga petals.

Hakbang 6. Sinimulan namin ang pagtatabing sa disenyo - pagdaragdag ng isang yari sa sulihiya na texture sa basket, pagtatabing sa mga seresa sa isang bilog, na nag-iiwan ng isang malaking halaga ng mga highlight upang gawing mas makatas ang mga ito. Sa kanang bahagi ng plorera, magdagdag ng isang strip ng highlight sa tuktok ng pagtatabing. Nililim namin ang mga talulot ng bulaklak at mga dahon mula sa gitna hanggang sa mga gilid.
Dahil ang liwanag ay nagmumula sa kaliwa, nagdaragdag kami ng mga pahalang na anino sa kanan ng mga bagay.

Paglalarawan ng pagtatanghal sa pamamagitan ng mga indibidwal na slide:

1 slide

Paglalarawan ng slide:

2 slide

Paglalarawan ng slide:

Ang STILL LIFE ay isang hindi gumagalaw, "patay na kalikasan" (ganito ang pagsasalin ng salitang ito), ito ay binubuo ng mga bagay na bahagi ng buhay na katotohanan na nakapaligid sa atin. Ang mga bagay na ginagamit natin sa isang still life ay bumubuo ng kanilang sariling kapaligiran, na parang inilipat sa ibang dimensyon. Ang kanilang kahalagahan sa komposisyon, ang kanilang semantic load ay tumataas. Ang mga kumbinasyon ng mga simpleng bagay ay maaaring magpahayag ng ibang-iba at kumplikadong mga damdamin.

3 slide

Paglalarawan ng slide:

BUHAY PA RIN SA GRAPHIC Ang pagguhit ay ang pangunahing uri ng mga graphic. Ang lahat ng mga artista ay kasangkot sa mga graphic, maging sila ay mga pintor o eskultor kailangan nila ang pagguhit bilang isang yugto ng kanilang trabaho. Gayunpaman, ang pagguhit ay maaaring maging isang malayang graphic na gawa. Para sa isang graphic artist, sapat na ang mga simpleng tool - lapis, felt-tip pen, tinta, gel pen upang lumikha ng isang kahanga-hangang graphic na komposisyon.

4 slide

Paglalarawan ng slide:

Pagguhit ng still life gamit ang lapis (hakbang-hakbang). Bago gumuhit ng isang still life gamit ang isang lapis, unti-unti nating ilalagay ang mga bagay sa tabi ng isa't isa, hindi nalilimutan ang tungkol sa pinagmulan ng liwanag. Ang mga bagay ay maaaring matatagpuan sa ilang distansya, ngunit ito ay magiging mas kawili-wili kung sila ay bahagyang magkakapatong sa mga gilid ng bawat isa. Ang daloy ng liwanag mula sa lampara ay magbibigay-daan sa iyo upang mas malinaw na bigyang-diin ang kaibahan ng mga shade at highlight. Mas maganda kung mahulog sa gilid. Kapag umaasa hindi sa artipisyal, ngunit sa sikat ng araw, dapat mong tandaan na ang luminary ay hindi tumayo, kaya ang mga anggulo ng liwanag at anino ay magbabago. Ang mga guhit na lapis ay may sariling mga detalye - upang makabisado ang pamamaraan na kakailanganin mong gumuhit ng higit sa isang sketch o buhay pa. Linya, tuldok, stroke, spot.

5 slide

Paglalarawan ng slide:

Mayroong isang espesyal na uri ng graphics - PRINTED GRAPHICS. Sa kasong ito, mula sa isang pagguhit na ginawa gamit ang mga espesyal na pamutol sa isang board na gawa sa kahoy, metal o linoleum, maaari kang gumawa ng ilang mga kopya ng may-akda - mga impression. Ang ganitong uri ng graphics ay tinatawag na ENGRAVING. Ang pag-ukit ay maaaring magkakaiba: sa kahoy - woodcut, sa metal - etching, sa linoleum - linocut... Sa mga kasong ito, ang graphic artist ay gumagamit ng mga kumplikadong device para sa kanyang trabaho bilang isang printing press, mga espesyal na cutter (stiches), metal plate para sa pag-ukit sa kanila ng acid at marami pang iba. Ang lahat ng ito ay kinakailangan upang lumikha ng mga naka-print na graphics. ukit, woodcut, printmaking, sinaunang still life, Old Riga XYLOGRAPHY - isa sa mga uri ng ukit, woodcut. linocut

6 slide

Paglalarawan ng slide:

Scratch technique Ang scratch technique ay tinatawag ding “tsap-scratch” o “graffito”. Ang pagguhit ay na-highlight sa pamamagitan ng pag-scratch gamit ang panulat o matalim na instrumento sa papel o karton na natatakpan ng tinta (upang maiwasan itong kumalat, kailangan mong magdagdag ng kaunting detergent o shampoo, ilang patak lamang). Ang salita ay nagmula sa French gratter - upang mag-scrape, scratch, kaya isa pang pangalan para sa pamamaraan ay ang scratching technique. Karaniwan akong gumagamit ng makapal na papel at pinipintura ito ng gouache. Maaari kang kumuha ng kulay na karton na may handa na makulay na pattern, pagkatapos ay maaari mong limitahan ang iyong sarili sa isang ordinaryong kandila ng waks (hindi kulay). Pagkatapos, gamit ang isang malawak na brush o espongha, ilapat ang isang layer ng mascara sa ibabaw. Kapag natuyo ito, gumamit ng matalim na bagay - isang plastik na tinidor, isang palito - upang scratch ng isang pattern ng manipis na puti o may kulay na mga linya papunta sa tapos na background.

7 slide

Paglalarawan ng slide:

Ang mga guhit gamit ang grattage technique ay ginawa gamit ang isang matalim na bagay (isang panulat, isang espesyal na pamutol, isang matulis na stick, atbp.) Sa isang naunang inihanda na ibabaw. Bago ka magsimulang mag-ukit, ang isang layer ng wax o paraffin ay inilapat sa karton (maaari kang gumamit ng kandila), at pagkatapos ay tinta o pintura. Ang mascara ay kailangang ilapat sa ilang mga layer, patuyuin ang bawat isa, dahil ito ay kumakalat sa waks at sa una ay namamalagi nang hindi pantay. Ang mascara ay inilapat gamit ang isang malawak na brush, espongha o cotton swab.

8 slide

Ang bawat isa na kumukuha mula sa buhay ay kinakailangang dumaan sa iba't ibang yugto ng pagtaas ng pagiging kumplikado ng trabaho. Ang proseso ng pag-aaral upang gumuhit sa isang tiyak na yugto ay nauugnay sa pagguhit ng isang still life (mula sa French nature morte - patay na kalikasan).

Ang mundo ng kalikasan at ang mga bagay na nakapaligid sa isang tao sa pang-araw-araw na buhay ay isang hindi mauubos na kaban ng mga hugis at kulay. Ang pagiging simple at plastik na pagiging perpekto ng mga pang-araw-araw na bagay, ang pagiging sopistikado at delicacy ng mga bulaklak, ang natatanging istraktura at juiciness ng mga prutas at gulay, at marami pang iba ay palaging pinagtutuunan ng pansin ng mga artista. Ang mga guhit at mga pintura kung saan ang mga bagay sa bahay, kasangkapan, gulay, prutas, pagkain, laro, bouquets ng mga bulaklak, atbp ay nakapaloob sa matalinghagang anyo ay tinatawag na still lifes.

Ang mga still life ay maaaring direktang "nakikita" sa buhay at "itinatanghal" partikular upang malutas ang iba't ibang mga visual na problema. Pareho silang nakakaakit ng pansin, kaya naman ang buhay pa rin ay binibigyan ng napakaraming espasyo sa fine art na ito ay nararapat na maging isang malayang genre. Ang "nakikitang" still life ay isang natural na pagpapangkat ng mga bagay na inilalarawan ng artist, at ang isang "staged" ay binubuo ng sadyang napiling mga bagay na kinakailangan upang mapagtanto ang partikular na plano ng may-akda.

Ang imahe ng isang still life ay may sariling tiyak na pattern at methodological sequence. Ito ay ganap na hindi pinahihintulutan, halimbawa, pagkatapos lamang magsimula ng isang pagguhit, upang magsimulang magtrabaho sa mga maliliit na detalye nang detalyado, kung ang pangunahing anyo ay hindi pa natutukoy at ang tonal na ideya ng produksyon ay hindi pa napagpasyahan. Ito ay agad na humahantong sa pagkapira-piraso ng pagguhit, na kung saan ay hindi kapani-paniwalang mahirap at kung minsan ay imposible para sa isang walang karanasan na draftsman na itama. Bilang karagdagan, ang gayong pagmamadali ay humahantong sa mga pagkakamali sa proporsyonal na mga relasyon, at samakatuwid ay sa kabiguan, kawalan ng tiwala sa sarili at pagkabigo.

Tandaan na sa visual na kasanayan mayroong isang napatunayang paraan ng sunud-sunod na gawain sa mga guhit, batay sa prinsipyo: mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak at mula sa tiyak muli hanggang sa pangkalahatang pinayaman ng mga detalye.

kanin. 21

Ang trabaho sa isang still life ay nagsisimula sa pagpili at paglalagay ng ilang mga bagay: sa aming gawain - isang modelo ng plaster ng isang prisma at isang kahoy na plorera para sa mga lapis, brush, atbp. (Larawan 21). Ang pagpili ng mga bahagi para sa isang buong sukat na produksyon ay dapat na lohikal na makatwiran at puno ng mga koneksyon sa semantiko. Maipapayo na pumili ng mga bagay na nagpapahayag sa hugis at lakas ng tunog.

Pagkatapos itanghal ang still life, pumili ka ng isang partikular na lugar kung saan malinaw na nakikita ang setting (napag-usapan na namin ang tungkol sa pinakamainam na distansya mula sa artist hanggang sa natural na bagay: dapat itong humigit-kumulang tatlong beses ang laki ng totoong buhay mismo. ).

Ang pagpapahayag at pagiging totoo ng isang still life na imahe ay nakadepende sa iyong kakayahang mag-obserba, mag-compose, gumawa ng drawing, magmodelo nito gamit ang tono, atbp.

Bago aktwal na magtrabaho sa pagguhit, ipinapayong gumawa ng isa o dalawang sketch ng produksyon upang makahanap ng isang makatwiran at epektibong layout ng imahe sa papel. Maipapayo na gumawa ng mga sketch nang mabilis, batay sa una, sariwa pa ring impresyon ng produksyon, sinusubukang ihatid sa kanila ang mga katangian ng kalikasan, ang relasyon at mga proporsyon ng hugis ng bawat bagay, ang ratio ng lugar ng imahe sa ang lugar ng format ng sheet.

Kapag natukoy mo na ang komposisyon ng imahe sa sketch, maaari kang magpatuloy sa direktang gawain sa format. Dahil sa likas na katangian ng produksyon, napili mo na ang format - pahalang o patayo.

kanin. 22

Ngayon ay nahaharap ka sa gawain ng pagdaan sa ilang mga yugto ng pagguhit ng isang still life. Ang ganitong mga yugto, i.e. indibidwal na mga sandali - mga yugto o hakbang sa pagbuo ng isang bagay sa paggawa sa isang pagguhit ay karaniwang hindi hihigit sa apat.

Siyempre, ang unang yugto ng anumang imahe ay ang pagkakalagay nito sa komposisyon sa isang sheet ng papel. Mayroon ka nang sketch, gamitin ito sa isang hindi mekanikal na paraan.

Narito ang pangunahing lugar ay ibinibigay sa pagtukoy ng buong lapad at buong taas ng mga bagay nang sabay-sabay upang limitahan ang patlang ng imahe ang mga posisyon ng bawat isa sa mga katawan na may kaugnayan sa isa't isa at ang eroplano kung saan sila nakalagay ay agad na binalangkas ng mga linya ng ilaw.

Sa susunod na yugto ng pagguhit ng still life, dapat mong linawin ang lugar ng bawat isa sa dalawang bagay sa larawan at matukoy ang kanilang proporsyonal na mga relasyon. Sa panahong ito ng trabaho, kilalanin din ang nakabubuo na batayan ng form. Dito, ibabatay ang solusyon sa lahat ng problema sa yugtong ito ng imahe sa maingat na pagsusuri ng produksyon. Sa ngayon, buuin ang form gamit ang mga linya lamang, na nakikita ang iyong pagguhit bilang isang "balangkas", ngunit sundin ang isang tiyak na sukat upang hindi sila magmukhang parehong kapal sa lahat ng dako (Larawan 22).

Isagawa ang ikatlong yugto ng trabaho bilang karagdagang pagpipino ng hugis ng mga katawan na may dami at ginhawa. Ang mga palatandaang ito ng mga bagay ay nakikita lamang sa ilalim ng mga kondisyon ng liwanag at lilim. Samakatuwid, hindi mo lamang dapat balangkasin ang isang malaking liwanag at isang malaking anino, ngunit tukuyin din sa mga light stroke ang lahat ng mga pangunahing gradations (unti-unting pagsasaayos) ng liwanag at anino. Ang mga pattern na ito ng pamamahagi ng liwanag, mga halftone, sarili at bumabagsak na mga anino ay tinalakay sa aklat-aralin nang higit sa isang beses, at alam mo ang tungkol sa mga ito. Kailangan mo lamang na maingat na subaybayan sa situ at ikumpara sa papel kung gaano ang isang bagay ay mas madilim o mas magaan kaysa sa isa pa. Bilang karagdagan, huwag kalimutan ang tungkol sa mga pagkakaiba-iba sa mga diskarte sa pagguhit ng pagtatrabaho sa isang lapis, upang sa yugtong ito ng pagguhit ay maaari mong makilala ang pagkakaiba sa mga texture ng mga bagay. Ang lahat ng pinagsama-sama at isinasaalang-alang mula sa pananaw ng pagbuo ng perspektibo, dami at kaluwagan ng mga anyo, mga solusyon sa tonal, at materyalidad ay magdadala sa iyo sa huling yugto ng pagtatrabaho sa isang still life drawing (Fig. 23).

kanin. 23

Ang pangwakas na yugto ay nagsasangkot ng proseso ng pagkumpleto ng trabaho - isang pangkalahatan ng buong linear at tonal na istraktura ng imahe. Kung ang foreground at background ay iginuhit nang detalyado, ang parehong mga katawan ng produksyon ay sumisira sa integral na pang-unawa ng larawan, walang lambot ng mga paglipat sa pagmomodelo ng form na may tono, kung gayon ang isang imahe ay kailangang mapabuti, na isang paglalahat. Sa kasong ito, kinakailangan upang mapahina ang background, sirain ang malinaw na mga hangganan sa loob nito (upang lumikha ng impresyon ng lalim), "ilapit" ang isang bagay sa harapan at "lumayo" sa isa pa, i-highlight sa isang lugar sa tamang lugar, sa isa pa, sa kabaligtaran, makapal ang tono at kaya sa ganitong paraan upang makamit ang integridad ng pagguhit (Larawan 24).

Ang lahat ng mga yugto ng pagtatrabaho sa isang still life drawing ay hindi mga yugto ng imahe na hiwalay sa isa't isa. Dito nagaganap ang isang sunud-sunod na proseso, lohikal na kinokondisyon ng pagkakaisa at kawalan ng pagkakaisa, ang resulta nito ay dapat na isang wastong pagkakabuo, wastong pagkakagawa, katamtamang naisagawang tono, nagpapahayag na pang-edukasyon na pagguhit ng isang still life.

Ngayon tingnan natin nang detalyado kung paano nagpapatuloy ang proseso ng paglikha ng isang still life drawing, na binubuo ng isang plaster geometric body - isang hexagonal prism at isang kahoy na plorera para sa pag-iimbak ng mga tool sa pagguhit.

Matapos mapili ang format, matutukoy kung anong laki ang ipi-print sa papel, lalo na dahil sa mga paunang sketch ay naghahanap ka ng mga proporsyonal na relasyon sa pagitan ng imahe at ng format. Ang mga proporsyon ay hinabi sa visual na pang-unawa alinsunod sa istraktura ng mata at ang mga prinsipyo ng operasyon nito. Ang bawat tao na gumuhit ay tumutukoy sa mga ratio ng mga dami at, huwag magulat, nakikilala sa kanila ang ratio ng "gintong seksyon". Makikita mo sa setting na ang isang plorera na nakatayo nang patayo ay mukhang mas kanais-nais kaysa sa isang prisma na nakahiga sa isang anggulo dito. Nangangahulugan ito na sa iyong pagguhit ay bibigyan mo ng espesyal na pansin ang plorera, at sisimulan mong iugnay ang pagkakalagay ng imahe sa papel dito. Matatagpuan ito sa pagguhit nang walang ibang paraan maliban sa may kaugnayan sa mga proporsyon ng "gintong seksyon".

Ang katangiang ito ng visual na perception ay kinumpirma ng maraming eksperimento na isinagawa sa iba't ibang panahon sa ilang bansa sa buong mundo.

Ang German psychologist na si Gustav Fechner noong 1876 ay nagsagawa ng isang serye ng mga eksperimento, na nagpapakita ng mga lalaki at babae, lalaki at babae, pati na rin ang mga bata, mga figure ng iba't ibang mga parihaba na iginuhit sa papel, na hinihiling sa kanila na pumili lamang ng isa sa kanila, ngunit ginagawa ang pinaka-kaaya-ayang impresyon. sa bawat paksa. Ang bawat tao'y pumili ng isang rektanggulo na nagpapakita ng ratio ng dalawang panig nito sa proporsyon ng "gintong ratio" (Larawan 25). Ang mga eksperimento ng ibang uri ay ipinakita sa mga mag-aaral ng neurophysiologist mula sa United States Warren McCulloch noong 40s ng ating siglo, nang hilingin niya sa ilang boluntaryo mula sa mga hinaharap na espesyalista na magdala ng isang pahaba na bagay sa gustong hugis. Nagtrabaho sandali ang mga estudyante at pagkatapos ay ibinalik ang mga gamit sa propesor. Sa halos lahat ng mga ito ang mga marka ay ginawa nang eksakto sa lugar ng "gintong ratio" na ratio, kahit na ang mga kabataan ay walang alam tungkol sa "banal na proporsyon" na ito. Si McCulloch ay gumugol ng dalawang taon na kinumpirma ang hindi pangkaraniwang bagay na ito, dahil siya ay personal na hindi naniniwala na ang lahat ng mga tao ay pipiliin ang proporsyon na ito o itinatag ito sa amateur na gawain sa paggawa ng lahat ng uri ng mga crafts.

kanin. 24

Isang kawili-wiling kababalaghan ang makikita kapag bumisita ang mga manonood sa mga museo at mga eksibisyon ng pinong sining. Maraming mga tao na hindi iginuhit ang kanilang mga sarili ay maaaring madama nang may kamangha-manghang katumpakan kahit na ang pinakamaliit na mga kamalian sa paglalarawan ng mga bagay sa mga graphic na larawan at mga kuwadro na gawa. Marahil ito ay mga palatandaan ng aesthetic sense ng isang tao, na "hindi sumasang-ayon" sa pagkasira ng pagkakatugma ng anyo at mga proporsyon. Hindi ba sa ganoong pangangailangan para sa isang pakiramdam ng kagandahan na ang kababalaghan ng "gintong proporsyon" ay nauugnay (sa sandaling ang proporsyon na ito ay hindi tinatawag na "banal", "ginintuang", "gintong seksyon", "gintong numero") ? Ito ay hindi para sa wala, tila, na sa lahat ng mga siglo ng sibilisasyon ng tao ang "gintong proporsyon" ay itinaas sa ranggo ng pangunahing prinsipyo ng aesthetic.

Para sa iyo, ang mga prinsipyo ng komposisyon ng pagbuo ng isang still life drawing ay hindi dapat maging isang hadlang, dahil ang isang tao ay pinagkalooban ng kakayahang malinaw na makita ang nakapalibot na kapaligiran sa loob ng isang larangan ng malinaw na paningin (sa isang anggulo ng 36°). Ito ay ang mga proporsyonal na halaga sa loob ng larangan ng malinaw na pangitain na malinaw na nakikilala ng mga mata, at ang iyong gawain ay kilalanin ang mga ito upang maayos na maitayo ang pagguhit. Ang katotohanan ay ang isang taong gumuhit ay nakikita ang layunin ng mundo sa parehong paraan tulad ng isang taong hindi gumuhit. Gayunpaman, kung kukuha ka ng isang di-makatwirang punto ng view upang bumuo ng isang guhit, ang pagbaluktot ay magaganap. Kailangan mong tandaan na sa pagbuo ng isang imahe ang lahat ay magkakaugnay: punto ng view, larangan ng malinaw na paningin at distansya sa mga bagay sa imahe. Nangangahulugan ito na sa proseso ng pagbubuo ng imahe, kinakailangan na pumili ng isang bahagi ng nakapaloob na espasyo (isang piraso ng papel) na magsasama ng mga bagay ng still life at bahagi ng kapaligiran (ang background). Ang mga bagay sa larawan ay hindi dapat masyadong malaki o masyadong maliit. Kung hindi, ang malaking imahe ay "lumabas" sa format, at ang maliit ay "lumubog" dito. Upang maiwasang mangyari ito, subukang isaalang-alang ang sheet ng papel at ang mga sukat ng imahe bilang isang solong kabuuan ng compositional solution ng still life drawing.

Pagkatapos ayusin ang eroplano ng papel, ang mga bagay ay kailangang iguhit habang nakikita sila ng mata at habang umiiral ang mga ito sa katotohanan. Upang gawin ito, linawin mo ang mga pagbabago sa pananaw sa hugis ng plorera at prisma at sa parehong oras subukang agad na maunawaan ang kanilang layunin na istraktura, disenyo, at pag-aralan ang mga kondisyon ng pag-iilaw. Ang Chiaroscuro sa mga bagay ay ibinahagi ayon sa parehong mga batas na naging pamilyar ka sa pagguhit ng mga modelo ng plaster ng mga geometric na katawan.

Ang bawat pagguhit ay sabay-sabay na isang bagong kaalaman sa layunin ng mundo, na sinamahan ng pagkuha ng kaalaman, karanasan, mga bagong kasanayan at mga kasanayan sa motor ng mga paggalaw ng kamay. Ang pagkakaroon ng paglalagay ng guhit sa isang eroplano at, sa ngayon, ihatid ang mga hangganan ng hugis ng bawat isa sa dalawang bagay sa mga magaan na linya at binabalangkas ang dami ng plorera at prisma na may parehong mga light stroke, nagpapatuloy ka sa iyong trabaho, nagpapatuloy sa ang susunod na yugto. Ngayon ay patuloy mong pinipino ang mga tampok na katangian ng form, sa lahat ng oras na inihahambing ang pagguhit sa kalikasan. Pagkatapos ay magsisimula kang magtrabaho kasama ang mga relasyon na kinabibilangan ng pagtukoy sa mga tamang proporsyon, ang relasyon sa pagitan ng mga spatial na plano, mga detalye at ang kabuuan.

kanin. 25

Ang paraan ng pagtatrabaho sa pamamagitan ng mga relasyon ay nagbibigay-daan sa draftsman na makakuha ng kaalaman at kasanayan hanggang sa maimpluwensyahan nila ang pag-unlad ng isang tao bilang isang propesyonal na artista.

Kaya, ang mga unang yugto ng iyong pagguhit: lutasin ang mga problema sa layout, balangkasin ang pangkalahatang silweta ng buhay na buhay, i-highlight ang parehong mga bagay at ipakita ang mga proporsyon, sa parehong oras pakiramdam ang koneksyon ng mga form, ang kanilang mga sulat sa pangkalahatang istraktura ng ang imahe. Kapag nagtatrabaho sa mga relasyon, ang pagguhit ay nilinaw sa pamamagitan ng paghahambing at pag-iiba, i.e. paghahambing ng imahe sa kabuuan at mga bahagi sa bawat isa. Sa parehong yugto ng pagguhit, dapat mong simulan upang matukoy ang dami at kaluwagan ng mga hugis ng mga bagay sa imahe, na nagtatrabaho sa pamamagitan ng mga ito ayon sa prinsipyo - mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak. Ito ang tanging paraan na palagi mong makikita ang kabuuan - sa istraktura, at sa mga sukat, at sa tono.

Kapag may tiwala ka sa katapatan ng pagguhit at sa kawastuhan ng nilalayon na light-tonal na mga relasyon, maaari kang ligtas na magpatuloy sa pagmomodelo ng hugis na may tono na unti-unting puspos ng density.

Sa mahalagang yugtong ito ng trabaho - naghahatid ng isang tunay na imahe ng isang buhay na patay, habang nakikita ito ng ating mata at kung paano ito umiiral sa kalawakan - kailangan mong makita ang buong kalikasan sa lahat ng oras, ibig sabihin, hinawakan ito o ang lugar na iyon sa pagguhit na may isang lapis, huwag mawala sa paningin ang buong produksyon at ang buong pagguhit sa kabuuan. Alalahanin sa lahat ng oras na ikaw ay nag-iipon ng kaalaman, kasanayan at kakayahan nang unti-unti at tuluy-tuloy at nagtatrabaho sa still life nang naaayon. Ang mga ugnayang tono sa kalikasan ay hindi maaaring tumpak na maiparating sa isang guhit dahil sa pagkakaiba sa pagitan ng orihinal na liwanag at ang kaputian ng papel. Ang mga ito ay maiparating lamang sa pamamagitan ng pagsunod sa liwanag at anino na mga relasyon na proporsyonal sa kalikasan, at alam mo na ang kalidad ng pattern ng tonal ay nakasalalay sa naturang paghahatid.

Sa panahon ng pagmomodelo ng pagguhit sa tono, kapag isinagawa mo ang lahat ng gawain mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak, isang sandali ay hindi maaaring hindi na nauugnay sa isang mahusay na pagnanais na gawin ang pangwakas na elaborasyon ng isa o ibang bahagi ng imahe, na kung saan ay napaka kaakit-akit sa produksyon. Dito ka makakarating sa mga detalye, na sumusunod sa mga prinsipyo ng pagguhit.

Sa pagsasagawa ng parehong pang-edukasyon at malikhaing pagguhit, mayroong dalawang madalas na magkakaugnay na mga teknikal na pamamaraan ng pagtula ng mga tono sa papel na may lapis - pagtatabing at pagtatabing.

Ang pagpisa, hindi katulad ng pagtatabing, ay may sariling natatanging katangian. Ang isang bihasang draftsman ay maaari lamang makamit ang paglipat ng lahat ng tonal at materyal na katangian ng kalikasan. Kasabay nito, gumagamit siya ng iba't ibang mga stroke kasama ang bakas ng isang lapis sa papel - tuwid at hubog, maikli at mahaba, na magkakapatong sa bawat isa sa ilang mga layer. Dahil dito, ang pagtatabing ay dapat na maunawaan bilang mga diskarte para sa paglalapat ng tono na may mga stroke. Ang direksyon ng pagtatabing sa isang guhit ay napakahalaga. Sa pamamagitan ng paggamit ng mga stroke na nakadirekta ayon sa hugis ng bagay, ang isa ay maaaring makamit ang lakas ng tunog, at, sa kabaligtaran, sa pamamagitan ng mga haphazardly na inilapat na mga stroke, ang form ay nawasak, ang imahe ay natatakpan ng walang hugis na mga spot.

Ang mga master sa pagguhit ay kadalasang gumagamit ng shading, isang pamamaraan ng pagkuskos ng isang layer ng lapis, na inilapat ng patag na may tingga, sa ibabaw ng papel upang makakuha ng malambot na solidong tono gamit ang alinman sa shading o paper swabs at, kadalasan, cotton wool. Ang pamamaraan na ito ay madalas at epektibong ginamit ni Ilya Efimovich Repin.

Sa proseso ng trabaho na may kaugnayan sa paglipat ng mga relasyon sa liwanag at anino, ang pinakamaliwanag at pinakamadilim na mga lugar sa full-scale na setting ay natutukoy at, pagsunod sa mga ito bilang mga patnubay ng tonal, unti-unti nilang nakuha ang kinakailangang siwang. At sa lahat ng oras kailangan mong ihambing at ihambing muli ang pagguhit sa kalikasan. Upang gawin ito, maaari ka ring lumipat sa isang maikling distansya mula sa pagguhit upang makita mo ang iyong gawa mula sa isang medyo malayong punto ng view. May isa pang pamamaraan para sa paghahambing - tingnan ang pagguhit sa salamin, na kalahating nakabukas patungo sa imahe. Ang salamin ay dapat ding sumasalamin sa natural na bagay. Ang ganitong paghahambing ay makakatulong sa iyong makita ang mga pagkakamali sa tono at alisin ang mga ito. Ang pamamaraan ng salamin ay epektibo rin dahil pinapayagan ka nitong makita ang iyong trabaho mula sa isang hindi inaasahang anggulo. Ang bawat pintor ay hindi lamang nasanay sa kanyang imahe, ngunit madalas, dahil sa kawalan ng karanasan at kawalan ng kakayahan, ay tumigil na mapansin ang mga malubhang pagkakamali sa pagguhit, hindi sa banggitin ang tono. Ang gayong hindi inaasahang sulyap ay makakatulong sa iyo na makita kaagad ito o ang kapintasan na iyon, na naging mahirap bigyang-pansin dahil sa kawalan ng kakayahang kritikal na tumingin sa iyong sariling pagguhit.

Ang huling yugto ng pagtatrabaho sa isang still life drawing ay nauugnay sa kakayahan ng draftsman na kumpletuhin ang imahe, i.e. dalhin ang imahe sa linya sa pangkalahatang visual na impression na may tuluy-tuloy na pang-unawa ng buong-scale na produksyon.

1. Ano ang buhay pa rin?
2. Ilang yugto ng pagpipinta ng still life ang kailangan mong pagdaanan?
3. Ano ang naiintindihan mo sa terminong "layout"? Anong papel ang ginagampanan ng layout sa isang drawing?
4. Bakit dapat makita ang isang buong sukat na produksyon hindi sa mga bahagi, ngunit sa kabuuan?
5. Ano ang ibig sabihin ng paglapat ng mga stroke sa isang form?
6. Ano ang metodolohikal na pagkakasunud-sunod ng pagtatrabaho sa isang still life?
7. Paano natin naiintindihan ang terminong "paglalahat ng isang guhit"?

Paano gumuhit ng still life - magsimula tayo sa isang simple, sabihin nating, mula sa yugto ng paghahanda at unti-unting lumapit sa pagguhit ng still life mismo. Sa yugtong ito, para sa isang mas mahusay na pag-unawa sa kung ano ang ginagawa namin, iminumungkahi ko ang mga sumusunod na ilang pagsasanay. Hindi lang ikaw ang gumuhit ng still life, at lalong hindi sa bilis? Kailangan mo ng mahusay na kaalaman na maaaring magbigay ng isang mahusay na praktikal na batayan, tama? Pagkatapos ay tingnan natin ang paksa - kung paano gumuhit ng still life gamit ang mga pagsasanay na ito.

Pag-unlad ng mga kakayahan sa proporsyonal na paningin sa pamamagitan ng paghahambing na pagsusuri ng mga volume:

Maghanap ng alinman sa mga bote o lata - hindi mahalaga kung ano, hindi lang masyadong kumplikado. Pumila ka sa kanila ng apat o anim na beses at sanayin ang iyong mga mata. Subukang suriin ang taas at lapad ng bawat bagay at ang kanilang kaugnayan sa isa't isa. Sa una, maaari ka lamang gumuhit ng mga balangkas. Gumuhit kami ng lahat ng mga bagay sa object plane. ganito:

Isa pang gawain:

Gumawa ng isang pagguhit ng isang gusot na sheet ng papel, karton, na may pagsusuri ng mga eroplano ng bali. Pansinin na ang bawat mukha ay kahawig ng mukha ng isang kubo. Kapag naunawaan mo ito, ang gawain ay hindi mukhang mahirap. Ang ehersisyo na ito ay lubhang kapaki-pakinabang para sa pagbuo ng mata. ganito:

Mas mahirap na gawain:

Paano gumuhit ng still life

Kaya maayos kaming lumipat sa pagguhit ng buhay na buhay mismo. Ngunit ngayon ay mas handa ka nang maunawaan nang mabuti ang materyal. Gumuhit kami ng isang still life na isinasaalang-alang ang paglalagay ng komposisyon sa sheet (tingnan ang komposisyon sa figure). Nahuhuli natin ang katangian ng buhay na buhay - ito man ay pinahaba ang haba o lapad. Kinakailangang isaalang-alang ang object plane, dahil ang lahat ng mga bagay ay nakahiga dito at hindi nakabitin sa hangin. Natagpuan namin ang mga hangganan ng buhay na buhay sa sheet, umatras ng 10 sentimetro mula sa tuktok ng sheet, 7 sentimetro sa mga gilid, at 3 cm mula sa ibaba. Huwag magmadali, ang pangunahing bagay ay magsimula nang tama upang hindi "masira" ang lahat ng trabaho mamaya. Huwag magmadali, dahil ngayon ay nahahanap natin ang mga pangunahing proporsyonal na relasyon ng isang buhay na patay:

Kapag, isinasaalang-alang ang mga proporsyon, natukoy mo ang mga hangganan ng buhay na buhay sa sheet, oras na upang hanapin ang mga hangganan at proporsyonal na relasyon ng bawat bagay nang hiwalay. Nagtatatag kami ng mga proporsyon batay sa tatlong puntos. Sa anumang pagkakataon dapat mong simulan ang pagguhit ng mga detalye ng still life o pagdaragdag ng shading. Kung mamaya mapapansin mo na sa isang lugar na hindi mo nakuha ang mga proporsyon, kakailanganin mong burahin ang lahat ng iyong iginuhit doon. Bilang resulta, ang gawain sa pinakasimula ay mapapatungan at hindi alam kung ano ang magiging hitsura nito sa dulo:

Kung ginawa mo ang lahat ng tama, magpahinga, uminom ng tsaa, sa isang salita, gumawa ng isang bagay upang hindi tumingin sa trabaho at bigyan ang iyong mga mata ng pahinga. Maniwala ka sa akin, sa loob ng 20-30 minuto makikita mo ang isang bagay na hindi mo pa nakikita. Kung makakita ka ng error sa isang lugar, itama ito, hindi pa huli ang lahat. Kung maayos ang lahat, magpatuloy tayo.

Kapag nakakita ka ng isang lugar sa sheet para sa bawat bagay ng iyong buhay pa, tingnan ang komposisyon: ang bawat bagay ay naglalaman ng mga geometric na hugis o kumbinasyon ng mga ito. Iguhit ang bawat bagay nang mas malinaw, na nauunawaan na ang bawat bagay ay naglalaman ng batayan ng ilang geometric na hugis. Gumuhit nang may pananaw. Hindi na kailangang lumampas sa presyon ng lapis. Gumuhit gamit ang isang graphite pencil T, TM upang ang pagguhit ay transparent at malinis.

Ilatag ang pagtatabing:

Susunod, simulan natin ang pagtatabing. Alamin natin kung saan tayo may liwanag at anino sa ating buhay pa. Ngayon hindi namin kailangan ng mga halftone. Hindi namin hinawakan ang liwanag, ngunit lilim ang anino sa lahat ng mga halftone na may lapis. Huwag tinta, kung hindi, hindi ka magkakaroon ng sapat na lakas ng lapis para sa huling pinakamadilim na bumabagsak na mga anino.

Kapag natukoy na namin ang liwanag at anino, oras na upang suriin ang lahat ng pagsasanay na natutunan namin sa seksyon ng mga pangunahing kaalaman sa pagguhit. Inilalagay namin ang pagtatabing sa bagay, kung saan ang chiaroscuro ay ipamahagi ayon sa hugis ng bagay. Ang mga bagay na gumagalaw sa pananaw ay iguguhit nang mas malambot. Naka-highlight ang foreground. Kung mahirap, pagkatapos ay bumalik sa pahina ng mga pangunahing kaalaman sa pagguhit at ulitin muli ang lahat. Karaniwan, dapat kang magtapos sa isang bagay na tulad nito: